A Virgem e o Menino com Santa Ana de Leonardo da Vinci

A Virgem e o Menino com Santa Ana de Leonardo da Vinci


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O tema da Virgem com o Menino com Santa Ana era popular na Florença do século XV.

O cartoon é amplamente considerado como um trabalho preparatório para uma pintura devido ao seu tamanho, é desenhado em oito folhas de papel e tem mais de 140 cm (55 polegadas) de altura.

Mas o desenho não foi picado para ser transferido para a tela e nenhuma pintura de Leonardo da Vinci corresponde à composição. A pintura de Da Vinci, A Virgem e o Menino com Santa Ana, que está no Louvre, omite São João e tem uma composição mais rígida e menos naturalista.

Desenhado a carvão e giz sobre papel colorido, o desenho animado é um bom exemplo da complexa composição e realismo de Da Vinci. O olhar segue o olhar de Santa Ana até sua filha Maria, que por sua vez olha com adoração para o menino Jesus. As crianças ficam curiosas, Jesus se afasta da mãe e levanta a mão como se estivesse abençoando seu primo paralisado.

A expressão inocente de Cristo espelha a de sua mãe, enquanto a de John lembra o olhar mais conhecedor de sua avó. A mão de Santa Ana aponta para o céu, entre os rostos dos dois meninos. No entanto, o simbolismo religioso não se intromete na intimidade deste encantador retrato de família. Assim como Anne e Maria parecem estar compartilhando um momento privado, o mesmo acontece com João e Jesus.

A luz pousa em Maria e Jesus, deixando claro que eles são o foco. Anne e John são mais sombreados. Novamente, isso chama a atenção para a ligação entre Maria e Jesus, e sua inocência em comparação com a relativa mundanidade de Ana e João.

A estrutura é uma pirâmide solta. Há uma forte linha diagonal dos rostos das mulheres aos meninos, e outra formada pelos joelhos das mulheres e o ombro de São João.

O Cartoon of St Anne, também conhecido como Burlington House Cartoon, em homenagem à casa londrina da Royal Academy of Arts, está agora exposto na National Gallery de Londres. Em 1962, foi colocado à venda, mas foi considerado tão importante que o National Arts Collections Fund, juntamente com doações do público, levantou dinheiro suficiente para mantê-lo no Reino Unido.

Em 1987 é vandalizado com uma espingarda causando grandes danos, que desde então foi reparado.

Embora inacabado, o trabalho é amplamente considerado uma obra-prima. Os rostos e torsos são lindamente representados, assim como as dobras das roupas. As poses e expressões naturais e significativas do grupo são incomparáveis, mesmo nas pinturas acabadas de Da Vinci.


Leonardo's& # xa0Virgem e criança com Santa Ana e um cordeiro.

Leonardo escolheu o tema de Santa Ana em seu retorno a Florença de Milão em 1500. A obra mostra claramente o Sfumato estilo pioneiro do artista e é baseado em um desenho anterior de A Virgem e o Menino com St Anne e St John, que agora está na National Gallery London.

A Virgem e o Menino com Santa Ana e um Cordeiro c. 1508, óleo sobre painel de madeira, 166x112cm, Louvre Paris. (s)

O tema Maria e o menino Jesus era um tema popular em muitas pinturas da Renascença. Nesta obra, Leonardo mostra Maria estendendo a mão para seu filho (Jesus), que por sua vez estende a mão para o cordeiro.

Maria está & # xa0 sentada no colo de sua mãe (Santa Ana), que cuida de sua filha e seu neto completando uma trindade de & # xa0 gerações dentro da mesma família. A composição é construída & # xa0 sobre uma combinação inteligente de triângulos formados pela postura da Virgem, a posição da mão no quadril de Santa Ana e o entrelaçamento da criança e do cordeiro, soberbo!! & # xa0

Os três esboços de crianças acima são de uma única folha de desenhos que Leonardo fez para o Menino Jesus na Virgem e o Menino pintando ao lado.

Accademia Venice, giz vermelho.

A Virgem e o Menino com Santa Ana e São João. c. 1508 Carvão sobre papel pardo, 139x101cm. Galeria Nacional, Londres (s)

Um cartoon de Leonardo (do mesmo assunto) foi tão bem recebido quando exibido em Florença que levou o historiador da arte Vasari a escrever,

& # xa0 'homens e mulheres, jovens e velhos, continuaram por dois dias a amontoar-se na sala onde estava sendo mostrado, como se estivessem participando de um festival solene.'

Há algum debate sobre qual cartoon Vasari estava descrevendo e argumentos continuam sobre a possibilidade de mais de uma cópia de Leonardo. Independentemente desse debate, tanto o desenho acima quanto a pintura no Louvre, permanecem como bons exemplos da habilidade e habilidade do artista.


Freud analisou o subconsciente de Da Vinci & # 8217 por meio de sua pintura “A Virgem & # 038 Criança com Santa Ana”

Não é novidade nem mistério que Leonardo da Vinci brincou com mensagens e símbolos ocultos em suas pinturas. De acordo com alguns historiadores da arte e outros especialistas, algumas das pinturas mais famosas de Da Vinci, como A Última Ceia e Madonna on the Rocks revelam as visões individuais do artista sobre a religião.

Embora de acordo com Martin Lunn (autor de Código Da Vinci decodificado), com a pintura de Mona Lisa, Da Vinci quebrou “as convenções da época” no que diz respeito à ausência de joias e à postura relaxada de seu modelo, Sigmund Freud, que observou o trabalho de diferentes artistas para psicanalisar seu subconsciente, afirmou que A Virgem e o Menino com Santa Ana, de Da Vinci, revelou seu desejo homossexual reprimido.

Sigmund Freud, o fundador da psicanálise.

Freud usou o método de examinar as pinturas e encontrar diferentes símbolos que os artistas pintaram, consciente ou inconscientemente.

De qualquer maneira, ele mais tarde acrescentaria significado a esses símbolos com base em detalhes encontrados em várias culturas antigas e os analisaria como uma expressão do subconsciente do indivíduo.

Leonardo da Vinci & # 8211 Virgem e o Menino com Santa Ana

Da Vinci pintou A Virgem e o Menino com Santa Ana por volta de 1503, e hoje ela pode ser vista no museu do Louvre, em Paris.

Retrata o menino Jesus guardado nos braços da Virgem Maria, enquanto ela está calmamente sentada no colo de sua mãe, Santa Ana.

Retrato de Leonardo da Vinci.

A Virgem Maria estende a mão para o filho, segurando-o pela cintura, enquanto Jesus acaricia um cordeiro. Para que a teoria de Freud seja mais relativa, deve-se levar em consideração que as figuras bíblicas nas pinturas históricas nunca são pintadas aleatoriamente.

A Virgem e o Menino com Santa Ana, Louvre, Paris, França. Foto de Sailko
CC BY 3.0

Suas posições são sempre alusões à vida dos personagens e várias metáforas cristãs. Por exemplo, o cordeiro na pintura pode ser facilmente interpretado como um símbolo da inocência e do sacrifício de Jesus pela humanidade. O próprio cordeiro é um símbolo de sacrifício e João Batista se referiu a Jesus como o "Cordeiro de Deus".

A & # 8220vulture & # 8221 identificada por Freud

Por outro lado, é um tanto incomum que a Virgem Maria seja retratada no colo de Santa Ana. Freud considerou isso muito interessante para o exame psicanalítico e chamou-o de "Leonardo da Vinci e a memória de sua infância".

Vídeo relacionado: Exposição de designs fascinantes de Da Vinci

De acordo com Freud, quando a pintura é virada de lado, a forma das vestes de Maria ilustra um pássaro, provavelmente um abutre. Ele interpreta a imagem de um abutre como um símbolo de uma mãe, fundamentando sua teoria no fato de que o termo “mãe” no antigo Egito era representado com o símbolo de um abutre. Portanto, ele o analisou como o desejo homossexual reprimido de Da Vinci, desencadeado por sua vaga lembrança de amamentar o seio de sua mãe.

Detalhe & # 8211 Cristo com o Cordeiro

Freud também considerou um conjunto de escritos e desenhos de Da Vinci conhecido como Codex Atlanticus, onde o artista escreveu sobre uma memória de infância de um abutre atacando-o em seu berço. Portanto, Freud considera as ilustrações da cauda de abutre e da boca de um bebê como possível amamentação forçada após a idade apropriada.

Reprodução da famosa pintura de Leonardo da Vinci & # 8216A Virgem e o Menino com Santa Ana & # 8217. Foto de Fr.Latreille CC BY-SA 3.0

Outra observação de Freud & # 8217s a respeito da representação do subconsciente de Da Vinci & # 8217s em A Virgem e o Menino com Santa Ana, é que na ilustração de duas mulheres (as duas no papel de uma mãe) Da Vinci representou seus próprios dois mães. Na verdade, o artista foi criado pela primeira vez por sua mãe biológica e mais tarde adotado pela esposa de seu pai.

O psicanalista considerou seu ensaio “Leonardo da Vinci e a memória de sua infância” uma das melhores obras que ele escreveu. No entanto, ao longo dos anos, as teorias de Freud & # 8217 foram questionadas e contestadas por muitos cientistas como extremistas. Ele sempre tendeu a ver a sexualidade oculta ou reprimida. E embora seu trabalho seja realmente excelente, dificilmente pode ser tomado como uma prova do subconsciente de Da Vinci.


Perfeição Inacabada

Podemos chamar algo de inacabado e perfeito? Não é difícil dizer sim se a coisa é literária ("The Faerie Queene" de Spenser) ou mesmo musical (Sinfonia "Unfinished" de Schubert). Com a pintura, a pergunta é mais difícil de responder. Deixe-me sugerir pelo menos um candidato à perfeição inacabada.

Um museu abarrotado de obras-primas e visitantes boquiabertos pode desafiar quem deseja ver fotos. Mas a paciência é uma virtude. Pegue o Louvre. Atrás de um vidro à prova de balas e uma longa corda está pendurada a Mona Lisa, impossível de ver bem em meio à multidão de turistas com câmeras fotográficas, que se apressam, tiram suas fotos para provar que estiveram lá e depois vão embora.

Leonardo da Vinci (1452-1519) foi um pintor notoriamente lento, e poucas obras acabadas sobreviveram. Mas assim que você sai da sala onde a Mona Lisa está consagrada, você se encontra na Grande Galérie, ainda lotada, mas menos claustrofóbica, e na presença de outras cinco fotos de Leonardo. Os turistas param por um momento, mas você pode chegar perto de qualquer um deles e desfrutar da (relativa) solidão. O primeiro é provavelmente da oficina de Leonardo, não inteiramente da própria mão do mestre: São João Batista, ou talvez Baco, cujo dedo levantado é um símbolo cristão, mas cujo tirso, folhas de videira e pele de pantera são claramente pagãos. A próxima é a elegante senhora "La Belle Ferronière". Em seguida, a famosa "Virgem das Rochas", com seu cenário misterioso e sua iluminação claro-escuro. Em seguida, outro andrógino São João com o dedo apontando para cima.

Então, a obra-prima: "A Virgem e o Menino com Santa Ana", começou provavelmente em 1500. Leonardo trabalhou nela tanto em Milão quanto em Florença, e a manteve com ele (como fez com a Mona Lisa) até sua morte. Inacabado, ainda oferece uma experiência estética total em termos de design, forma, cor e drama humano. (Para avaliar, você pode consultar um estudo preparatório na National Gallery de Londres, "A Virgem e o Menino com Santa Ana e São João Batista".)

Clive Bell, cunhado de Virginia Woolf, cunhou a expressão "forma significativa" em 1914 e, junto com Roger Fry, outro habitante de Bloomsbury, popularizou a ideia de que a própria forma pode transmitir e produzir sentimento. A pintura de Leonardo, especialmente sua geometria humana, exemplifica de maneira sublime esse meio de transporte. Leonardo aprendeu com Masaccio (1401-1428) como dar massa escultural a figuras planas por meio dos princípios da perspectiva. À técnica do mestre anterior, no entanto, ele acrescentou um humanismo que parece aos nossos olhos distintamente, realisticamente moderno.


Sujeito

Desenho preparatório no Museu Britânico, Londres

O tema do desenho animado é uma combinação de dois temas populares na pintura florentina do século XV: A Virgem e o Menino com João Batista e A Virgem e o Menino com Santa Ana.

O desenho é notável por sua composição complexa, demonstrando a alternância no posicionamento das figuras que se manifesta pela primeira vez nas pinturas de Leonardo na Madonna de Benois. Os joelhos das duas mulheres apontam para direções diferentes, com os joelhos de Maria girando para fora da pintura para a esquerda, enquanto seu corpo gira bruscamente para a direita, criando um movimento sinuoso. Os joelhos e os pés das figuras estabelecem um forte ritmo para cima e para baixo em um ponto da composição onde normalmente seria encontrada uma base firme, composta por pés firmemente plantados, joelhos bem afastados e ampla cobertura de vestimentas. Enquanto as metades inferiores de seus corpos se afastam, os rostos das duas mulheres se voltam uma para a outra, refletindo as feições uma da outra. A delimitação entre os corpos superiores perdeu clareza, sugerindo que as cabeças fazem parte do mesmo corpo.

O movimento de torção da Virgem encontra eco no Menino Jesus, cujo corpo, sustentado quase na horizontal pela mãe, gira axialmente, com a parte inferior voltada para cima e a parte superior voltada para baixo. Esta postura giratória é indicada pela primeira vez na pintura de Leonardo na Adoração dos Magos e é explorado em vários desenhos, em particular os vários estudos da Virgem e o Menino com um gato que se encontram no Museu Britânico.

A justaposição de dois conjuntos de cabeças é um importante elemento de composição. O ângulo, a iluminação e o olhar do Menino Jesus reproduzem os de sua mãe, enquanto João Batista reproduz esses mesmos elementos no rosto de Santa Ana. A iluminação indica que há dois protagonistas e dois elenco coadjuvante na cena que o espectador está presenciando. Há uma interação sutil entre os olhares das quatro figuras. Santa Ana sorri com adoração a sua filha Maria, talvez indicando não só o orgulho maternal, mas também a veneração por aquela que "todas as gerações chamarão. Bem-aventurada". [2] Os olhos de Maria fixam-se no Menino Jesus, que ergue a mão num gesto de bênção sobre o primo que trinta anos mais tarde cumpriria a tarefa que lhe fora designada de baptismo de Jesus. Embora o mais velho dos dois filhos, João Batista aceita humildemente a bênção, como quem mais tarde diria de seu primo: "Não sou digno nem mesmo de tirar as sandálias". [3] A mão de Santa Ana, seu dedo indicador apontando para o céu, está posicionada perto das cabeças das crianças, talvez para indicar a fonte original da bênção. Este gesto enigmático é considerado quintessencialmente Leonardesco, ocorrendo no Última Ceia e São João Batista.

Caricaturas desse tipo geralmente eram transferidas para um quadro para pintura por meio de punção ou incisão no contorno. No a Virgem e o Menino com Santa Ana e São João Batista isso não foi feito, sugerindo que o desenho foi mantido como uma obra de arte por direito próprio. [4] Leonardo não parece ter baseado uma pintura diretamente neste desenho. A composição difere do único tratamento remanescente de Leonardo do assunto, A Virgem e o Menino com Santa Ana no Louvre, em que a figura do Batista não está presente. Uma pintura baseada no desenho foi feita pelo aluno de Leonardo, Bernardino Luini, e agora está na Biblioteca Ambrosiana, em Milão. [5] A figura de Pomona na pintura de Francesco Melzi Pomona e Vertumnus em Berlim é baseado na Virgem do desenho animado.


Santa Ana

De acordo com a tradição cristã apócrifa, Santa Ana era a mãe de Maria e avó de Jesus. A mãe de Maria não é mencionada nos evangelhos.

O nome de Anne vem dos Apócrifos do Novo Testamento, dos quais o Evangelho de Tiago, escrito por volta de 150, parece ser a primeira menção.

Os apócrifos do Novo Testamento são escritos dos primeiros cristãos que relatam Jesus e seus ensinamentos, a natureza de Deus ou as instruções de seus apóstolos e suas vidas.

Alguns desses escritos foram citados como escrituras pelos primeiros cristãos, mas desde o século V, um consenso emergiu, limitando o Novo Testamento aos 27 livros do cânon moderno.

As igrejas Católica Romana, Ortodoxa Oriental e Protestante geralmente não consideram esses Apócrifos do Novo Testamento como parte da Bíblia.

Anne (em árabe: Ḥannah) também é reverenciada no Islã, reconhecida como uma mulher altamente espiritual e como a mãe de Maria.


Uma análise de “Madonna of the Meadow” e “A Virgem e o Menino com Santa Ana”

As imagens passaram a ser adotadas pela sociedade em uma perspectiva mais ampla. Seu uso se tornou mais comum nos últimos anos, em comparação com o que era há algumas décadas. Várias tecnologias que foram adotadas pela sociedade desempenharam um papel significativo nesta realização. Existe a expectativa de que o uso profundo de imagens continue a aumentar de abrangência nos próximos anos.

As imagens tendem a desempenhar vários papéis e funções na sociedade. Algumas funções tendem a ser complexas em comparação com outras. Alguns podem ser usados ​​para representar eventos, transmitir conhecimento ou mostrar algum pedaço da história entre outros (Gombrich, 2009). No que diz respeito ao aspecto histórico, as imagens auxiliam na preservação da memória de como algumas coisas eram. As pessoas na geração atual não existiam durante esses períodos, mas podem se identificar com certas histórias. Eles têm a capacidade de dizer como certos indivíduos, estruturas e impérios proeminentes costumavam parecer devido às imagens apresentadas sobre essas coisas. Faz com que as pessoas se sintam parte de uma linhagem, que, como resultado, trabalharão para preservar. Ter algo em comum ajuda a construir laços positivos que tornam a sociedade um lugar favorável para se estar (Mukundan & amp Ramakrishnan, 1998). No que se refere ao conhecimento, as imagens costumam ser utilizadas como meio de transmissão de informações. Ao observar um determinado pedaço de imagem, as pessoas podem deduzir várias coisas. Às vezes, torna-se mais fácil para as pessoas entenderem certas coisas por meio da expressão de imagens em vez de palavras. Isso se deve à representação visual do conteúdo envolvido.

Os papéis e funções de uma imagem na maioria das ocasiões são determinados pelo contexto no qual a imagem foi construída. Uma imagem desenvolvida no contexto da história acabará desempenhando um papel diferente em relação àquela desenvolvida em um contexto empresarial ou científico.

A imagem acima representa “Madonna of the Meadow” de Raphael. A imagem foi discutida e analisada por diversos autores. Os autores tendem a ter descrições semelhantes em alguns aspectos, enquanto em outros tendem a ter pontos de vista diferentes. Entre as descrições que parecem ter uma interpretação semelhante entre vários autores, está a apresentação de um triângulo na imagem que representa Maria, João e Jesus. Honor & amp Fleming (2005) afirmam que a formação da pirâmide é a representação de algo forte. Assemelha-se a um vínculo que não é fácil de quebrar e cujo propósito deve ser cumprido. Brown & amp Pagden (2006), por outro lado, também descrevem o arranjo triangular como uma representação de ordem e estabilidade. Mostra que os indivíduos envolvidos estão enraizados e prontos para realizar o propósito desejado. Honor & amp Fleming (2005), Brown & amp Pagden (2006) e Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) também analisam a presença da cruz como uma indicação do que está por vir. É uma forma de João abençoar Jesus e prepará-lo para o futuro que o espera. Honor & amp Fleming (2005) postulam que o aspecto de Maria estar descalça é uma indicação de que ela está pisando em um solo sagrado. Ele prossegue afirmando que as três flores vermelhas no lado esquerdo de Maria são predominantes e conectadas às pessoas na pintura. Ele afirma que eles representam a sagrada trindade. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998), por outro lado, parece ter algumas análises contrastantes. Ele postula que a imagem de Maria, João e Jesus dentro da geometria triangular é a representação da Santíssima Trindade. As roupas de Maria também agem como um simbolismo cristão. A cor azul representa o céu, enquanto o vermelho representa a morte de Jesus (Brown & amp Pagden, 2006). Ela engole a redenção que se realizará como resultado do sacrifício que Jesus vai realizar para restaurar o bem-estar dos cristãos até a eternidade. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) também descrevem o pano de fundo da cidade como uma essência de tensão que lembra aos observadores os possíveis perigos que aguardam Jesus e João.

Esta imagem foi desenvolvida por volta de 1506. O contexto da imagem no período atual não difere de como ela era percebida durante seu período de produção. Isso porque agiu como um simbolismo cristão. Foi uma forma de mostrar o surgimento de Jesus na terra e sua missão de salvar os cristãos por meio de sua morte e ressurreição. Duas pessoas que desempenharam um papel vital nesta ocorrência estão representadas na imagem. É assim que esta imagem é vista por cristãos em todo o mundo. No entanto, existem diferenças em torno do contexto da arte entre esses dois períodos. A imagem foi produzida durante o renascimento da arte na Europa. A transição que ocorreu na época fez com que esta imagem se destacasse como única. Tinha um fascínio imenso nos olhos das pessoas que o viam. No entanto, as circunstâncias são bastante diferentes no período atual. O surgimento da tecnologia resultou em pessoas com a capacidade de ver outras imagens de tirar o fôlego, fazendo com que esta não pareça muito impressionante. Nesse contexto, as pessoas tendem a esquecer o período em que a imagem foi desenvolvida para perceber o quão grande ela é.

A imagem mostrada acima é uma representação de “A Virgem e o Menino com Santa Ana” de Leonardo da Vinci. Foi desenvolvido durante o período do renascimento, por isso atraiu opiniões de diferentes pessoas. Diferentes autores discutiram e analisaram a imagem com base em diferentes perspectivas. Uma descrição comum entre vários autores é a representação triangular na imagem. Surhone (2010) afirma que o triângulo é usado para retratar o vínculo familiar que existe entre os três personagens envolvidos. Maria é segurada por sua mãe, que é estagiária para controlar seu filho Jesus. Pye (2015) estende esta análise como uma indicação da Santíssima Trindade. Isso porque a imagem retrata três personagens que se relacionam e têm um vínculo (família) muito forte entre eles. Independentemente de qualquer ocorrência, eles continuariam sendo uma família devido aos laços de sangue. O aspecto familiar na imagem também é elaborado por meio das demonstrações de afeto e ternura retratadas na imagem (Pye, 2015). Santa Ana mostra uma atitude mais sóbria em comparação com Maria, que é engolfada pelo arrebatamento do amor maternal. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) também descreve a imagem como um simbolismo cristão. Combina dois temas católicos canônicos. Entre eles está o encontro de gerações demonstrado pela criança, mãe e avó aparecendo juntas. O outro se manifesta pela noção de paixão e sacrifício. Esses aspectos são atribuídos a Jesus devido ao cordeiro que ele está segurando. O cordeiro representa um aspecto da inocência. Este aspecto é lembrado por João Batista quando se refere a Jesus como o “Cordeiro de Deus”. Surhone (2010) reitera que a imagem exemplifica três técnicas pictóricas. Eles incluem perspectiva aérea, claro-escuro e sfumato. A perspectiva aérea é demonstrada mostrando a distância por contraste de cores e tons. O claro-escuro é demonstrado pelo uso de escuro e claro para criar efeitos de modelagem e relevo. Já o Sfumato auxilia na definição de formas usando gradações claras e escuras. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) e Pye (2015) descrevem o aspecto de Mary sentada no colo de Anne de maneira semelhante. Eles vêem isso como um aspecto incomum. Não está claro o que Leonardo queria demonstrar.

O contexto da imagem não pode ser considerado diferente no período atual em relação ao momento em que foi desenvolvida. A forma como as pessoas interpretaram a imagem durante seu período de produção tende a se manter constante. Isso porque o objetivo com o qual foi desenvolvido não mudou. Ainda retrata um aspecto semelhante. O que pode ter mudado são as críticas que giram em torno da imagem. A imagem foi desenvolvida durante o período renascentista. Este foi o renascimento do mundo da arte. O que isso significa é que as pessoas viram as imagens como espetaculares, uma vez que não haviam visto tais aspectos no passado. O atributo limita os atos de crítica, uma vez que não existem inúmeras imagens para comparar. Este caso é diferente no período atual. Há surgimento de diferentes tipos de imagens e tecnologias sendo usadas para desenvolver essas imagens. Como resultado, muitas críticas a esta imagem existiriam no período atual.

Ambas as imagens “Madonna of the Meadow” e “A Virgem e o Menino com Santa Ana” têm alguns atributos semelhantes. Esses atributos são úteis ao discutir as imagens em relação às teorias que abrangem o que é uma imagem. Para começar, uma imagem pode ser referida como uma representação externa de uma pessoa (Gombrich, 2009). Esse aspecto fica evidente nas duas imagens em que há objetos sendo retratados. Os usuários das imagens tendem a obter mais informações sobre as imagens observando os objetos exibidos. Espera-se também que uma imagem atue como uma metáfora ou símile (Gombrich, 2009). As imagens acima atualizaram esse aspecto agindo como simbolismo cristão. Diferentes autores discutiram amplamente esse aspecto. As imagens também demonstraram o uso de diferentes técnicas. Isso é esperado de qualquer imagem para que os usuários possam captar o que o artista envolvido estava tentando elaborar. Entre as técnicas envolvidas nas imagens acima estão perspectiva aérea, claro-escuro e sfumato. As técnicas ajudam a demonstrar o tom e a cor, entre outras coisas.

Mukundan, R., & amp Ramakrishnan, K., 1998. Funções de momento em análise de imagens: Teoria e aplicações. Singapura: World Scientific.

Gombrich, E., 2009. Os usos das imagens: Estudos da função social da arte e da comunicação visual. Londres: Phaidon.

Brown, D., & amp Pagden, S., 2006. Bellini, Giorgione, Titian, and the Renaissance of Venetian painting. Washington: Galeria Nacional de Arte.

Honor, H., & amp Fleming, J., 2005. A world history of art (7th ed.). Londres: Laurence King.

Mukundan, R., & amp Ramakrishnan, K., 1998. Funções de momento em análise de imagens: Teoria e aplicações. Singapura: World Scientific.

Pye, C., 2015. A tempestade no mar: a estética política na época de Shakespeare. Nova York: 9780823265046.

Surhone, L., 2010. A Virgem e o Menino com Santa Ana (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, pintura a óleo, Leonardo da Vinci, Santa Ana, Maria, Menino Jesus, Santissima Annunziata Florença. Gran Bretagna: Publicação Betascript.


A Virgem e o Menino com Santa Ana

A imagem acima é uma representação de “A Virgem e o Menino com Santa Ana” de Leonardo da Vinci. Foi desenvolvido durante o período do renascimento, por isso atraiu opiniões de diferentes pessoas. Diferentes autores discutiram e analisaram a imagem com base em diferentes perspectivas. Uma descrição comum entre vários autores é a representação triangular na imagem. Surhone (2010) afirma que o triângulo é usado para retratar o vínculo familiar que existe entre os três personagens envolvidos. Maria é segurada por sua mãe, que é estagiária para controlar seu filho Jesus. Pye (2015) estende esta análise como uma indicação da Santíssima Trindade. Isso porque a imagem retrata três personagens que se relacionam e têm um vínculo (família) muito forte entre eles. Independentemente de qualquer ocorrência, eles continuariam sendo uma família devido aos laços de sangue. O aspecto familiar na imagem também é elaborado por meio das demonstrações de afeto e ternura retratadas na imagem (Pye, 2015). Santa Ana mostra uma atitude mais sóbria em comparação com Maria, que é engolfada pelo arrebatamento do amor maternal. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) também descreve a imagem como um simbolismo cristão. Combina dois temas católicos canônicos. Entre eles está o encontro de gerações demonstrado pela criança, mãe e avó aparecendo juntas. O outro se manifesta pela noção de paixão e sacrifício. Esses aspectos são atribuídos a Jesus devido ao cordeiro que ele está segurando. O cordeiro representa um aspecto da inocência. Este aspecto é lembrado por João Batista quando se refere a Jesus como o “Cordeiro de Deus”. Surhone (2010) reitera que a imagem exemplifica três técnicas pictóricas. Eles incluem perspectiva aérea, claro-escuro e sfumato. A perspectiva aérea é demonstrada mostrando a distância por contraste de cores e tons. O claro-escuro é demonstrado pelo uso de escuro e claro para criar efeitos de modelagem e relevo. Já o Sfumato auxilia na definição de formas usando gradações claras e escuras. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) e Pye (2015) descrevem o aspecto de Mary sentada no colo de Anne de forma semelhante. Eles vêem isso como um aspecto incomum. Não está claro o que Leonardo queria demonstrar.

O contexto da imagem não pode ser considerado diferente no período atual em relação ao período em que foi desenvolvida. A forma como as pessoas interpretaram a imagem durante seu período de produção tende a se manter constante. Isso porque o objetivo com o qual foi desenvolvido não mudou. Ainda retrata um aspecto semelhante. O que pode ter mudado são as críticas que giram em torno da imagem. A imagem foi desenvolvida durante o período renascentista. Este foi o renascimento do mundo da arte. O que isso significa é que as pessoas viram as imagens como espetaculares, uma vez que não haviam visto tais aspectos no passado. O atributo limita os atos de crítica, uma vez que não existem inúmeras imagens para comparar. Este caso é diferente no período atual. Há surgimento de diferentes tipos de imagens e tecnologias sendo usadas para desenvolver essas imagens. Como resultado, muitas críticas a esta imagem existiriam no período atual.

Ambas as imagens “A Virgem e o Menino com Santa Ana” e “Madonna do Prado” têm alguns atributos semelhantes. Esses atributos são úteis ao discutir as imagens em relação às teorias que abrangem o que é uma imagem. Para começar, uma imagem pode ser referida como uma representação externa de uma pessoa (Gombrich, 2009). Esse aspecto fica evidente nas duas imagens em que há objetos sendo retratados. Os usuários das imagens tendem a obter mais informações sobre as imagens observando os objetos exibidos. Espera-se também que uma imagem atue como uma metáfora ou símile (Gombrich, 2009). As imagens acima atualizaram este aspecto agindo como simbolismo cristão. Diferentes autores discutiram amplamente esse aspecto. As imagens também demonstraram o uso de diferentes técnicas. Isso é esperado de qualquer imagem para que os usuários possam captar o que o artista envolvido estava tentando elaborar. Entre as técnicas envolvidas nas imagens acima estão perspectiva aérea, claro-escuro e sfumato. As técnicas ajudam a demonstrar o tom e a cor, entre outras coisas.

Surhone, L., 2010. A Virgem e o Menino com Santa Ana (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, pintura a óleo, Leonardo da Vinci, Santa Ana, Maria, Menino Jesus, Santissima Annunziata Florença. Gran Bretagna: Publicação Betascript.

Pye, C., 2015. A tempestade no mar: a estética política na época de Shakespeare. Nova York: 9780823265046.


Versão do louvre

The Virgin of the Rocks which usually hangs in the Louvre is considered by most art historians to be the earlier of the two and date from around 1483-1486. Most authorities agree that the work is entirely by Leonardo. It is about 8 cm (3 in) taller than the London version. The first certain record of this picture is in 1625, when it was in the French royal collection. It is generally accepted that this painting was produced to fulfill a commission of 1483 in Milan. It is hypothesized that this painting was privately sold by Leonardo and that the London version was painted at a later date to fill the commission. There are a number of other theories to explain the existence of two paintings. This painting is regarded as a perfect example of Leonardo's "sfumato" technique.


A daily email with the best of our journalism

BY THE time Leonardo da Vinci died in 1519, he had been working on his painting of St Anne for 20 years and still was not quite finished with it. Nevertheless "The Virgin and Child with Saint Anne" consistently attracted the interest of other artists. The subject of St Anne, the Virgin Mary and the infant Jesus was far from new. But its treatment had been static, like an icon. Leonardo's portrait of grandmother, mother and child was full of movement and emotion. It is now one of the most cherished masterpieces in Western art.

A monumental Anne sits with her adult daughter perched on her lap. Mary reaches out trying to keep a grip on Jesus who is half-straddling a lamb. One can talk about the painting's technical virtuosity, the forcefulness of its triangular composition, the way the dreamy jagged background contrasts with the scrubbland on which the figures rest. These elements all contribute to the work's greatness. But what has made viewers take it to their hearts is Leonardo's evocation of a subject that is at once universal and not of this earthly world—the love and tension between generations and also between humanity and the divine.

Not everyone has been a mother, but each of us was once a child. The viewer, therefore, has an intuitive connection with the people in the painting. We see a benign, even indulgent grandmother giving physical support to her daughter. Emotionally, however, she ignores Mary and gazes at her adorable and adored grandson. Mary has the disturbed expression of a mother worried over her wilful little boy. The infant looks back to his mother, as if to reassure her, but he will not abandon the lamb. It is as if Anne accepts what Mary has not yet been able to, that Jesus is the sacrificial lamb, the Lamb of God.

One need not be Christian to be moved by this work. So many have been unnerved by the Louvre's announcement that “Saint Anne” was going to be cleaned and restored. Would this beloved, magical work be damaged or even destroyed in the name of “improving” it?

The cleaning and restoring of “Saint Anne” got underway in 2010, overseen by an international scientific committee of 20 specialists. It was completed early this year, and the Louvre has duly mounted a celebratory show. The first half of the exhibition features archival material, including Leonardo's notebooks, sketches and preparatory drawings—among them 22 loans from the Royal Collection in Windsor—which convey his thoughts about the composition. Then comes “Saint Anne”, joined by the large and beautiful “Burlington House Cartoon”. For the first time London's National Gallery has lent this 141.4 by 104.6 cm (55”x41.2”) preparatory drawing clearly it would not be Leonardo's last as it has the young John the Baptist in place of the lamb. Three additional paintings by Leonardo are also on view (but the Mona Lisa remains upstairs where as usual she draws crowds to the Italian painting galleries).

The second half of the Louvre show considers the influence Leonardo's “Saint Anne” has had on other artists, from those who worked in his studio to Michelangelo to Odilon Redon. Wonderful as some of these works are, after seeing Leonardo's versions in paint and charcoal, what follows feels like a tailing off.

This is an exciting, illuminating exhibition. It is also one with a rocky history. At the end of last year two highly esteemed members of the scientific committee overseeing the restoration of “St Anne” resigned. Jean-Pierre Cuzin, previously the Louvre's director of paintings, and Ségolène Bergeon Langle, its former director of conservation, did not make public their reasons. However, it is widely believed that they felt the cleaning had gone too far. It would not be the first time. To this viewer “Saint Anne” looks marvellous. The Virgin's voluminous wrap seems spun out of lapis lazuli and summer clouds. Come to your own conclusions. If you cannot see the show, do not fret. After it closes “Saint Anne” will be back on permanent view upstairs.


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